Cubisme : Origine et histoire

Au xxe siècle, Picasso et Braque ont révolutionné la peinture et la sculpture avec leur cubisme, un courant artistique précurseur. Georges Braque et Pablo Picasso, en compagnie d’une poignée d’artistes, de 1907 à 1914, mettre en place le cubisme, l’un des mouvements artistiques les des plus novateurs de l’histoire de l’art contemporain.

Estimées comme si avérant être « le cubisme cézanien », les gros canevas de l’artiste francophone Paul Cézanne, ont marqué l’univers des arts à pas. Le style cubiste cézanien amasse beaucoup de grosses œuvres, caractérisé grâce à ses contours accentués, des corps en volumes et une grande rusticité quelquefois disparate.

Le style cubiste analytique, la première étape mémorable de la peinture cubiste se voulaient une réflexion du sujet sur le reproduire au moyen de formes géométriques simples.

L’ultime période de la peinture cubiste s’installe, vers 1912-14. Par comparaison à la phase analytique, il s’agit d’une épuration complète du style. Le style cubiste synthétique se concentre plutôt sur l’illusion et des explorations artistiques désinvoltes. La phase orphique de la peinture cubiste de 1914 à 1920 est plutôt floue. Cette phase est intéressée par l’expression et la critique de l’individu, par ses liens avec les légendes de la Grèce et la philosophie de Pythagore.

L’artiste Niki de Saint Phalle et l’art contemporain

Influencée par les travaux d’Antonio Gaudí, la Française contemporaine Niki de Saint Phalle est une plasticienne avec un itinéraire contestataire.

Antonio Gaudí a entrouvert plusieurs possibilités incroyables à Niki de Saint Phalle, tel l’utilisation de matières inhabituels tels les éléments structuraux dans la sculpture et l’architecture.

Niki de Saint Phalle est essentiellement touché par « le parc Güell » d’Antonio Gaudí, qui la décide d’élaborer son propre parc avec des dessins qui arrange effectivement art et éléments de la nature.

Le classicisme, histoire des artistes d’une grande période artistique

Le classicisme, dans les arts, se réfère couramment à un mouvement artistique après le Moyen âge qui tient en haute estime l’Antiquité classique, faisant de cette époque le standard de style à copier. L’ère classique est un type spécifique de philosophie, qui se manifeste dans la littérature, l’architecture, l’art et la musique, qui a des bases grecques et de Rome, et qui met le ton à la civilisation. Il est surtout traduit par le néoclassicisme des années 1700.

Aux alentours 460 avant notre âge, les styles de sculpture de la Grèce sont maîtrisés par le style préclassique ou le style sévère. Il marque la mutation vers un vocabulaire notablement élargi, la division des aspects canoniques de l’art archaïque et l’expression de au temps classique de la fin du 5e siècle. À l’intérieur d’un grand nombre de villes du monde en liens avec la Grèce antique, le style international se métamorphose dans l’architecture, les stèles et les styles de sculpture en bronze en bosse ronde.

Le français Poussin (1594-1665) est un peintre de style classique. Il produit plusieurs peintures pour les chapelles royales et l’artiste reçoit le titre de premier peintre du roi par le roi Louis xiii. Son travail repose essentiellement à la clarté, la logique et l’ordre, et avantage la ligne à la couleur. Son travail est une différente option au style baroque, dominant au dans les années 1700. même au xxe siècle, il est demeuré la source d’aspiration numéros un pour les artistes orientés vers le classicisme comme Jacques-Louis David, Paul Cézanne et Jean-Auguste-Dominique Ingres.

Artistes et la peinture abstraite

Vivant précisément de façon indépendante des formes aux racines classiques, grâce à ces coloris, ces formes, mais aussi ces courbes réalisant une combinaison, ce fut juste de dire que l’univers de l’art abstrait est un style artistique qui a ses propres paramètres qui a trait à la peinture.

Le peintre Jackson Pollock a bouleversé la puissance de tout l’univers des arts contemporains subséquent, pendant le début des années 1940, avec son approche extrême. Autant important que le produit final en-soi, Pollock examina le voyage vers l’édification d’un tableau.

Arshile Gorky, né Vosdanig Manoug Atoian, autour du 15 avril 1904, à l’intérieur du village de Khorgom qui se trouve dans l’Empire ottoman, est décédé en juillet 48. C’est dedans les années 40, lorsque Gorki est venu montré ses nouvelles peintures à l’artiste André Breton, mais aussi plus singulièrement Le foie est la tête du coq, Breton a déclaré l’oeuvre de l’artiste peintre comme étant l’un des tableaux les plus majeurs produits chez les Américains.

L’artiste Hans Hofmann est né le 21 mars 1880, mais aussi décédé au début de l’année 1966. C’était un artiste peintre d’Amérique de souche allemande extrêmement actif à l’intérieur du courant expressionniste abstrait.

Introduction à le monde des arts gothique

L’art gothique est ce courant artistique moyenâgeux qui s’est développé dans la France romane en plein coeur du douzième siècle.

L’art gothique, dirigé via le déroulement simultané de l’architecture gothique, conquiert notamment le monde de l’art au nord des Alpes, mais aussi s’étend à la masse de l’Europe occidentale. Des formes encore plus classiques en Italie ne seront pas entièrement abolies à travers le monde de l’art gothique. Jusqu’à la fin du 15e siècle, le caractère sophistiqué de l’art gothique international se transforme, mais aussi continue son changement. Durant cette période, les oeuvres transportables telles que les manuscrits enluminés, mais aussi les artistes se déplacent beaucoup en parcourant le monde, restreignant considérablement la variation de formes nationales dans les oeuvres réalisées pour la crème de la cour, mais aussi produisant une esthétique commune sur la royauté, mais aussi de la haute noblesse.

L’art sacré, ou art religieux est une forme de dessin artistique, contenant des icônes d’inspiration religieuse souvent qui a pour destin à élever l’esprit vers le monde spirituel. des coutumes religieuses de l’artiste, mais aussi les sujets pratiques, mais aussi opérationnels de la voie de l’élaboration spirituelle qui entraine des pratiques de rite, mais aussi de culte dans le monde de l’art sacré

Avant de s’avérer être englobé à travers le monde de l’art de la Renaissance, le monde de l’art gothique tardif se poursuit jusqu’au seizième siècle dans beaucoup de lieux, en particulier en Allemagne. À l’époque gothique, la sculpture, la peinture sur bois, les vitraux, les fresques, mais aussi les manuscrits enluminés sont les médias populaires employés par les artistes.

Briève histoire du curieux monde des artistes dada

Un petit groupe de peintres d’avant-garde décida de réédifier un monde nouveau, devant l’aberration de la guerre. Ce groupe décida transcender toutes les extrêmes de l’art, mais aussi d’éradiquer la situation. Le dada, ou le dadaïsme, était un courant intello, mais aussi artistique, apparu pour la 1re fois dans une ville de suisse à la fin des années 10. Plusieurs personnages du monde des arts contemporains de cette période donnent naissance au courant, lors d’une soirée du 2e mois de l’année, au célèbre cabaret Voltaire de Zurich.

En produisant au fil de leurs travaux une vraie quête de la libération, mais aussi de l’ironie, de jeunes artistes tels que l’écrivain Hugo Ball, le plasticien Marcel Duchamp, l’écrivain, mais aussi poète Tristan Tzara, mais aussi l’artiste peintre, mais aussi architecte Marcel Janco, façonnent à nouveau le monde l’art, depuis l’Europe comme en Amérique. Le mandat de dada était de rebondir face à la monstruosité de la guerre 14-18 mondiale. Rêvent de procurer une signification joyeuse à tous les mots, par maints jeux de langage, mais aussi de se renouveler via le langage, mais aussi la rationalité du monde, les artistes Dada fondent une conception, mais aussi des valeurs plus approchant de leurs idéaux.

L’une des icônes du courant Dada, était le peintre Marcel Duchamp. En Allemagne, Raoul Haussmann a été l’une des célébrités du dadaïsme.s’étendant dans plusieurs sphères de l’art contemporain, le membre principal du rassemblement dadaïsme à Berlin, à une domination allant au-delà des extrêmes du dadaïsme. Parmi les premiers à exiger un équilibre entier entre la plasticienne, mais aussi l’artiste homme, était le mouvement Dada. L’Allemande Hannah Höch, dadaïste à ces côtés de l’établissement du courant jusqu’à sa fin, en est un exemple clair.

Histoire de l’aérographie

Aux USA, la découverte du pistolet aérographe est aussi baptisée airbrush chez les anglais. Au cours de l’an 1876, le premier pistolet à l’aérographe obtint un brevet. Le premier appareil qui fut nommé airbrush chez les Anglais est produit par le bijoutier Abner Peeler pour utilisé avec la peinture à l’aquarelle et d’autres utilités artistiques.

Il emploie un compresseur à air manuel. Conçu depuis des petits tournevis et d’antiques chalumeaux et autres morceaux de rechange assez rustique, que l’on retrouve dans l’atelier d’un bijoutier.

L’utilisation de l’aérographe peut changer selon le support enduit de peinture et le fini espéré par l’artiste. L’utilisateur doit être certain d’avoir la parfaite pression de l’air en plus d’avoir le bon pistolet à l’aérographe. La peinture peut éventuellement être vaporisée sur différente zone de travail, comme du textile, du métal ou du carton. Avec une gâchette équipée d’une aiguille excessivement fine qui lance l’ouverture à la puissance espérée par l’artiste, le peintre est en contrôle de la quantité de couleur pulvérisée. Ce passage est en contrôle du dosage de couleur à envoyer sur le support.

Les vaporisateurs à peintures sont répertoriés selon trois grandes classes aux traits différentes. Certaines formes de vaporisateurs à peintures sont plus adaptées aux besoins du peintre, selon son expérience et ses moyens financiers. La manœuvre effectuée par le peintre pour provoquer la sortie de la peinture est la première spécificité notable. La deuxième est le mécanisme pour fournir la peinture dans la chambre intérieure du vaporisateur et la troisième est le centre à partir duquel la peinture et l’air se combinent.L’application de couleur à l’aérographe est excessivement utilisée à l’intérieur de la l’altération de photos, et à l’intérieur de la conception d’image commerciale et dans l’illustration de bouquins. La peinture à l’aérographe a été utilisée pour altérer des photos, un certain temps avant l’arrivée du digital.

Le airbrush est apprécié par le chef maquilleur dans la production de film pour bien étendre du maquillage sur le visage. La technique traditionnelle privilégie l’application avec un pinceau, alors que l’aérographe épand le maquillage sur l’épiderme.

Le artiste peintre américain Wilson Henry Irvine novateur du pistolet aérographe et un artiste peintre phare de l’impressionnisme américain au commencement du 20e siècle. Wilson Irvine est un artiste peintre qui peint des paysages à la façon des impressionnistes américains. Irvine est spécialement célèbre pour son habileté à peindre de la lumière et de la texture. Avant de penser à de l’illustration, Frederick W Lawrence débute comme artiste peintre de voiture. Père du photoréalisme de la peinture au airbrush.

Qui sont les artistes derrière le mouvement Pop art

Andy Warhol est un artiste du Pop Art américain universellement illustre. Icône précurseur du courant pop art, il avait révolutionné l’histoire de l’art et inspiré ses contemporains encore a ce jour. Il a entamé sa carrière professionnelle en devenant dessinateur en publicité dans la ville de New York. Andy Wahrol amorcera assurément ses séries d’oeuvres qui le produit très connu en réalisant des impressions sérigraphiques avec d’items de consommation de masse pour sujet fondamental de ses oeuvres. La réussite fut rapidement au rendez-vous. Andy Wahrol n’a pas été simplement qu’un publicitaire. Andy Wahrol, jusqu’à sa mort, a eu un œil singulier sur le monde de la consommation et perpétue, par ses oeuvres de références, à inspirer les amateurs d’art.

L’artiste anglais Richard Hamilton est né le 24 février 1922 et décédé le 13/09/2011. Artiste peintre précurseur du pop art et d’ailleurs connu comme le paternel de ce courant artistique, il a contesté les médias de masse comme l’on fait ses confrères de l’autre coté de l’atlantique. C’est d’abord avec l’art abstrait que l’artiste Richard Hamilton se dénichera des affinités. Hamilton se penchera finalement vers une peinture beaucoup plus figurative vers les années cinquante, ce qui correspondra avec l’époque où il rencontra plusieurs artistes célèbres et où il découvrit avec admiration les oeuvres de Marcel Duchamp. C’est en l’an 1956 que l’anglais Richard Hamilton se joint au « Independant Group (Groupe indépendant) ». Dans son travail, Richard Hamilton dénonce les recettes de la pub et l’esprit de consommation de masse où l’on produit les objets pour jeter aux poubelles aussitôt. Le Britannique est aujourd’hui considéré comme l’un des créateurs du pop art, tout comme son confrère américain, Andy Warhol.
L’américain Roy Lichtenstein était assurément l’un des artistes les plus importants du mouvement artistique pop art. Aujourd’hui, il est la tête la plus certainement célèbre de cette époque avec l’aide de sa série d’oeuvres originales. Lichtenstein commença à peindre en soixante et un, époque où il produit l’une de ses peintures les plus notoires. La majeure partie de ses oeuvres Roy Lichtenstein s’inspira en grande partie de la bande dessinée, ce qui lui donna un genre unique et un avantage notoire. Toujours aujourd’hui, les experts en art estiment qu’il existe plus de 4500 œuvres de Roy Lichtenstein en circulation chez les collectionneurs, musées et galeries d’art.

Ces déstabilisantes sculptures de l’artiste Ron Mueck

Né en 1958 sur le continent océanien de parents allemands, Ron Mueck a amorcé sa carrière en modélisant des marionnettes pour une émission de télévision. Paula Reggo, une proche, lui fait la demande d’élaborer des petites figurines pour l’une de ses peintures. Impressionnée avec le travail de Mueck, elle le présente au célèbre collectionneur Charles Saatchi.

C’était le début de la carrière de Ron Mueck.

C’est en 1997, l’artiste présente Dead Dad (père mort), une sculpture détaillée jusque dans les infimes particularités représentant son paternel dans son avant qu’il trépasse. Il fascine aussi au début du nouveau millénaire (2001) à la biennale en Italie avec la sculpture de cinq mètres de haut d’un garçon en culotte, intitulé garçon.

Le sculpteur australien convie l’observateur dans l’inimitié corporelle de la sculpture et tente de démolir toutes les limites entre oeuvre d’art et observateur, par à son ambition de faire de parfaites sculptures de tous les cotés lacé à l’intérieur du gel et la peinture à l’huile, les oeuvres de Mueck dévoilent, sont d’une précision. Avec une certaine impression de déstabilisation chez l’observateur n’est créé par les formes démesurées de certains personne.

Pour être vraies, ces œuvres ne défaut que la parole et les gestes.

Parceque’il ne laissant quasi zéro résidu de son travail sur les oeuvres, l’artiste offre aux observateurs une incroyable chance de s’engouffrer dans le monde des sujets.

Pablo Picasso

J’aimerais vous présenter le cubiste Pablo Picasso, un artiste à découvrir avant de mourir.